Rodela Cine

Ágora: por su interés os recomendamos esta crítica de ACEPRENSA

2009-10-08T11:07:00.008Z

Director: Alejandro Amenábar.
Guión: Mateo Gil.
Intérpretes: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashaf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans.
Duración: 126 min.

Imagínense que hay que explicar con una película la realidad de Norteamérica a alguien que no sabe nada de historia, de culturas, Y para explicarle cómo es América le enseñamos unos planos de unas familias japonesas, entrañables. Luego aparece un avión donde sale un piloto con cara de bruto mascando chicle, y con fotos de playmates pegadas en el salpicadero. Por último vemos cómo ese avión lanza la bomba atómica sobre la ciudad de esas amables familias japonesas. Una vez terminado el cortometraje, se le dice al ignorante espectador: “Ya ves, esto es América”.

Hiroshima existió. Nadie lo duda. Nadie se alegra. Pero el juicio sobre los americanos que se deduce de ese film, ¿es justo? Es una mentira. Aunque Hiroshima sea una verdad.

Esto mismo es lo que sucede con la última película de Amenábar, Ágora: unas bases históricas reales, muchísimo maquillaje y caricatura históricos, para llegar a unas conclusiones completamente equivocadas.

Amenábar vuelve a demostrar que es un grande en el oficio de dirigir películas. Otra cosa es que él decida someter su genio a los imperativos del pensamiento único. Lo más interesante es que Ágora no aparenta ser una película hecha en la era digital, sino que parece que todo decorado es real. La dirección artística es soberbia, y Rachel Weisz hace de Hipatia un personaje memorable. La película es solemne, minuciosa, con un trabajo del sonido espectacular y con unos guiños cosmológicos muy brillantes. Hay mucho cine dentro de Ágora, y por ello es muy fastidioso ver cómo el guión va estropeando la película a medida que avanza.

¿Una película contra la intolerancia?

Ágora es presentada por Amenábar como un film contra la intolerancia. Pero es necesario analizar el marco elegido por el cineasta para su alegato.

El contexto histórico son unos hechos luctuosos perpetrados por cristianos y paganos desmadrados entre los siglos IV y V en Alejandría. Según el historiador de la Iglesia Hubert Jedin, “el suceso más deplorable en el enfrentamiento entre el paganismo y el cristianismo en Egipto fue la muerte de la filósofa pagana Hipatia, que en 415 fue atrozmente asesinada, tras haber sufrido graves injurias, por una chusma fanatizada”.

Amenábar carga las tintas, descontextualiza y simplifica al máximo ciertos personajes como San Cirilo o Amonio. Aquellos hechos reprobables se sitúan, por tanto, en el contexto de la confrontación de dos cosmovisiones, de dos culturas, la pagana y la cristiana, y es ahí precisamente donde Amenábar quiere aprovechar para proponer su propia filosofía de la historia: si el paganismo fue luz, el cristianismo es oscuridad; si el paganismo fue progreso, el cristianismo supuso una marcha atrás en la cultura, en la civilización, en la filosofía y en la ciencia.

No es una metáfora caprichosa: en Ágora, los paganos visten de blanco (Hipatia), y los cristianos de gris o de negro (Amonio, Cirilo). A este esquema bipolar, Amenábar añade a lo largo del film una vuelta de tuerca: lo malo no es en realidad el cristianismo, sino cualquier concepción teológica. Ya sean los dioses paganos o el Dios cristiano y judío: la religión oscurece la razón, desprecia a la filosofía y frena la ciencia y el progreso. Frente al escepticismo que genera ver tanta guerra de religión en un kilómetro cuadrado, Hipatia declara: “Yo creo en la Filosofía”.

El cristianismo como verdugo de la cultura

Y ahí reside la relevancia de Ágora, que bajo el envoltorio de una película histórica, propone un juicio muy negativo sobre el valor actual de las religiones en general y del cristianismo en particular. Desmentir esa afirmación precisaría de una biblioteca como la de Alejandría, para documentar someramente lo que el cristianismo ha aportado al progreso de la cultura, del arte, de la ciencia, del derecho, de la filosofía, de la política, de las relaciones internacionales... Pero dicha biblioteca sería insuficiente para ilustrar lo que el cristianismo ha supuesto para el “progreso” personal de millones y millones de hombres y mujeres concretos a lo largo del mundo y de la historia: el “progreso” que viene de encontrarse con Jesús, que promete sin rubor satisfacer los deseos del corazón del hombre.

Esto en Ágora no se intuye ni de lejos. Los cristianos que aparecen son bárbaros, fanáticos, misóginos, violentos y muy visionarios. Y los dos “buenos” cristianos que vemos, Sinesio y Davo, se van contaminando a lo largo del film del oscurantismo circundante.

Quien encarna las características de una antropología cristiana –caridad, benevolencia, serenidad, tolerancia, insobornabilidad, castidad, fraternidad universal, igualdad– es la pagana Hipatia, un personaje que Amenábar vuelve fascinante, ideal de virtud, y dechado de inteligencia y humanidad. Hipatia se propone como una santa laica de las que tanto están de moda.

Un primer argumento a favor del “retroceso” cristiano que se puede desprender de Ágora es el de la inmoralidad de aquel grupo de cristianos pendencieros, que aparecen capitaneados por un san Cirilo cruel y maquiavélico. Ciertamente hay muchos episodios en la historia de la Iglesia por los que un cristiano no se siente orgulloso. Así ha sido siempre y así será, porque la Iglesia la forman pecadores. Incluso los Papas han pedido a veces perdón por errores del pasado. La conciencia del mal y del pecado es tan clara en el seno de la Iglesia que esta instituyó en sus mismos orígenes el sacramento de la penitencia y del perdón. Que se sepa ninguna organización, asociación o partido cuenta con una institución como la confesión, con lo que quizá habría que concluir que nadie como los cristianos tiene tanta conciencia del propio pecado.

Fe contra razón

Más importante en Ágora es el conflicto soterrado –¿incompatibilidad?– que plantea entre razón y fe, entre ciencia y religión. No este el lugar tampoco para explicar y aclarar que la fe es la amiga más fiel de la razón, que lo que Amenábar y tantos otros llaman fe, no es más que una superstición visionaria y esclerótica que nada tiene que ver con el cristianismo. Bastaría con que leyeran algo, por ejemplo la Fides et ratio, para comprender que la fe no es enemiga ni de la ciencia, ni del progreso, ni mucho menos de la razón.

Siempre habrá energúmenos entre las filas de los creyentes, pero que sólo son representativos de su propia equivocación. En este sentido, el magnífico homenaje que Amenábar brinda en este film a la ciencia antigua, y muy en especial a la astronomía, es un homenaje a la razón que cualquier espectador cristiano disfrutará como propio, aunque Amenábar parezca querer oponerlo a los intereses “reducidos” de los cristianos.

Por todas estas razones es imposible que un cristiano pueda sentirse históricamente reconocido en la propuesta cinematográfica de Amenábar, muy lastrada por tópicos, prejuicios, esquemas ideológicos y leyendas negras.

Fuente: Aceprensa

Amazing Grace

2009-10-02T10:03:00.007Z

Director: Michael Apted.

Guión: Steven Knight.

Intérpretes: Ioan Gruffudd, Romola Garai, Benedict Cumberbatch, Michael Gambon, Rufus Sewell, Albert Finney.

Duración: 117 min.

Con mucho retraso -se estrenó en 2007- llega esta película anglo-norteamericana, emocionante y llena de interés histórico, que cuenta el largo combate del parlamentario William Wilverforce (1759-1833) para abolir la esclavitud en el Imperio Británico.

Wilberforce, amigo desde sus comunes estudios en Cambridge del jovencísimo primer ministro William Pitt (ocupó el cargo con 24 años), es un hombre de honda religiosidad, que se plantea abandonar la política para consagrarse a la vida espiritual como cristiano evangélico. Cuando se le presenta el reto de luchar contra la esclavitud comprenderá que Dios le quiere en un mundo cruel y despiadado para reformarlo y hacerlo mejor.

El guión original de Steven Knight tiene muchos aspectos destacables, pero hay uno que llama especialmente la atención: todos los personajes resultan muy naturales y tienen gran fuerza, sin que se traicione su idiosincrasia con anacronismos facilones. Y es que el autor del libreto de Promesas del este ha sabido leer a la perfección la vida de Willberforce, asomándose a su conciencia, a su trato con Dios, sin caer en la tentación del efectismo sensiblero ni de la hagiografía bobalicona.

Lo que cuenta la película tiene muchísimo interés y logra hacer un nudo en la garganta de un espectador que cae en la cuenta de que hace solo 200 años la trata de esclavos formaba parte del menú del día del Imperio Británico y era la base económica de las plantaciones del Sur de EE.UU. En este sentido, la historia de Wilberforce y sus compañeros demuestra que es posible que un puñado de hombres decididos movilice a la opinión pública para acabar con una lacra social tan ampliamente aceptada en su época como hoy puede ser el aborto.

La historia es dramática e intensa, y, cuando corresponde, entrañable. Además del gran trabajo de escritura de Knight, hay que subrayar la calidad interpretativa de un reparto muy conjuntado, en el que brillan la hermosa y expresiva Romola Garai, y unos sensacionales Gambon, Finney, Hinds, Sewell, Cumberbatch y Toby Jones, que comparten plano con el galés Ioan Gruffudd.

La cuidada puesta en escena, con llamativas secuencias portuarias, permite el lucimiento fotográfico de Remi Adefarasin que ya tenía entrenamiento de época gracias a Elizabeth. Entre los productores, el mismísimo Terrence Malick. Puestos a poner algunas pegas, la música y el montaje están por debajo del nivel medio, que, como he dicho, es muy bueno.

Una película infinitamente mejor que otras de temática similar que han tenido muchos más premios y espectadores. Sin duda lo mejor de la carrera de Michael Apted (Inglaterra, 1941), autor de películas como Enigma y Gorilas en la niebla, que ahora rueda la tercera entrega de los Cuentos de Narnia.

fuente: Aceprensa

Las alas de la vida

2009-05-16T09:41:00.004Z

Dirección: Antoni P. Canet
Guión: Antoni P. Canet, Carmen Font, Xavi García-Raffi, Jorge Goldenberg, Francesc Hernández
Duración: 90 min.
Género: Documental

Las alas de la vida es un película singular que en la pasada edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid se llevó con todo merecimiento el galardón al mejor documental. En él vemos cómo una cámara se instala en casa de Carlos Cristos y se convierte en otro miembro de la familia para que podamos seguir el progreso de su enfermedad, la A.M.S. (atrofia sistémica múltiple), una enfermedad degenerativa y mortal. La película nos acerca a la vida de Carlos y de su familia, permitiendo que de una forma muy natural, sin énfasis nos hagamos cargo de una situación difícil y comprendamos la manera de afrontarla.

Carlos Cristos (Vigo, 1956) y su mujer, Carmen Font, son médicos. Residen en Mallorca junto a su hija de ocho años, Carmela. Carlos ha llevado siempre una vida muy activa, con pasiones como el montañismo, la música o el parapente. Como médico ha tenido que transmitir a muchos pacientes diagnósticos muy graves y ha tenido que acompañar a algunos de ellos hasta su muerte. Su vida cambió cuando se sentó ante su propio médico para escuchar el diagnóstico de una gravísima enfermedad degenerativa. Entonces se le ocurrió pedirle a un amigo que le grabara, pensando en que el documento podría ser útil a otros. El resultado de tres años de grabaciones es un canto a la vida, al amor y a la trascendencia.

Conviene advertir que Carlos vive. La cinta no es un documento sobre el empeoramiento y la muerte de una persona, sino un impresionante testimonio de amor y, sin proponérselo, una lección de cómo se debe acompañar a una familia en una situación tan dolorosa, y cómo sobrellevar la enfermedad y enfrentarse a la muerte con dignidad, y, "si se puede, con una sonrisa".

Las alas de la vida es una emotiva aunque nada efectista película, sabiamente dirigida por el realizador valenciano Antoni Canet que se sigue con mucho interés y hace pensar.

En un trabajo de este tipo, uno de los peligros a los que se enfrentaba Canet era el respeto a la intimidad de Cristos, no cruzar una frontera que nunca se debería cruzar. Se notan y agradecen la amistad y delicadeza del cineasta para quedarse en el punto justo. Su cámara es testigo de excepción de los últimos días de Cristos, pero hay un pudor, una contención? En algunos momentos en que a Cristos se le saltan las lágrimas, no falta esa pregunta, tan humana, ?¿paramos??, a la que sigue una no menos humana respuesta ?no, es bueno que se vean estos momentos de fragilidad?

fuente: almudi

La ola

2009-02-01T11:20:00.004Z

Dirección: Dennis Gansel
Intérpretes: Jürgen Vogel, Christiane Paul, Frederick Lau, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Jacob Matschenz, Cristina Do Rego.
Guión: Dennis Gansel, Peter Thorwarth
Duración: 101 min.
Público apropiado: Jóvenes
Género: Drama
Contenidos: Acción 2, Amor 2, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1

Dennis Gansel ya demostró en Napola que le interesan los jóvenes y la atracción que pueden ejercer en ellos las ideologías totalitarias. Éste es justamente el tema de La ola, aunque situado en un contexto contemporáneo en vez de nazi. La trama gira alrededor de Rainer Wenger, un carismático profesor de instituto que ansiaba dirigir un proyecto educativo en torno a la anarquía; un profesor se le ha adelantado, y debe conformarse con abordar en su clase la autarquía. Relacionándolo con el surgimiento de dictaduras, el fascismo y el nazismo, Wenger articula unas sesiones muy prácticas, en que presenta los elementos que explican su atractivo: espíritu de grupo, ideales comunes, ayuda mutua, uniformes y parafernalia exterior... Un día les pide que vengan todos con vaqueros y camisa blanca, o que diseñen un logo, o que... Los chicos empiezan a entusiasmarse con ese movimiento que denominan "La ola". Parece que ganan en autoestima y espíritu de iniciativa. Pero puede que dicha "ola" se transforme en "tsunami", un caldo de cultivo de actitudes violentas, abuso de poder y desprecio de las minorías.
Se puede decir que la trama de este film está mejor planteada que resuelta, es una pena que Ganser y Peter Thorwarth, que adaptan a la Alemania de hoy una novela de Todd Strasser -la acción del libro ocurre en Estados Unidos-, no hayan ideado un final más redondo. La idea tiene pegada y se presta al debate, y advierte no sólo de los peligros de determinadas ideologías, sino también del adocenamiento juvenil, que se aburre soberanamente con su droga, su alcohol, su sexo y sus fiestas, y que necesita algo más. También es sugerente el dibujo del profesor protagonista, que pierde el control del experimento, y que no toma todas las medidas necesarias para que las aguas vuelvan a su cauce, por pura vanidad; entre los personajes de los estudiantes, algunos interesan más que otros, y el destino que aguarda a alguno se ve venir. Gansel imprime a la narración un ritmo dinámico, muy "heavy", tanto en las actividades clandestinas de los chicos, como en esas clases que galvanizan al alumnado y en los partidos de waterpolo.

fuente: decine21.com

The Fall. El sueño de Alexandria

2008-12-12T20:04:00.005Z

Dirección: Tarsem Singh

Intérpretes: Lee Pace, Catinca Untaru, Justine Waddell, Julian Bleach, Leo Bill, Marcus Wesley.

Duración: 117 min.

Género: Drama, Fantástico

Público apropiado: Jóvenes

En los años veinte, un especialista de secuencias de acción es ingresado en un hospital tras haber intentado suicidarse. Allí encuentra el apoyo de Alexandria, una joven con un brazo roto y con la que cierra una promesa: le va a contar la historia más maravillosa del mundo.

El relato pronto sobrepasará todos los límites, trasladando la película a todos los confines del mundo. Pero el modo en que Roy entretiene a la niña no es desinteresado; lo que el tipo pretende es ganarse su confianza para que le consiga un frasco de pastillas con el que intentar de nuevo el suicidio.

El director muestra su increíble imaginación plasmada en la pantalla -sobre todo en los relatos imaginarios que nos hacen conocer a Alejandro Magno, y movernos por desiertos y laberínticos palacios de la India-, pero al servicio de una especie de cuento para adultos, como podía ser El laberinto del fauno.

Tarsem logra plantear muy bien la relación entre los dos protagonistas. Con recursos oníricos que incluyen incluso la stop-motion, el cineasta fuerza hasta límites inauditos la cuerda de lo artificioso, logrando salir exitoso del delicado envite.

La película logra conmover gracias a la mirada infantil de la niña que enamora al espectador con su natural y matizado desparpajo. Además Tarsem incluye numerosos homenajes al cine clásico de aventuras, que llenan su película de un amable tono nostálgico.

Texto recogido de: http://www.almudi.org

12 (extreno en DVD)

2008-11-26T08:48:00.004Z

Dirección: Nikita Mikhalkov

Intérpretes: Sergei Makovetsky, Sergei Garmash, Aleksei Petrenko, Yuri Stoyanov, Sergei Gazarov, Nikita Mikhalkov, Valentin Gaft, Mikhail Yefremov, Aleksei Gorbunov, Sergei Artsybashev, Viktor Verzhbitsky, Roman Madyanov.

Guión: Nikita Mikhalkov, Vladimir Moiseyenko, Aleksandr Novototsky

Duración: 159 min.

Público apropiado: Jóvenes

La directora rusa Nikita Mihalkov se ha arriesgado con éxito. En esta ocasión, el peso cae sobre doce actores con gran personalidad, gracias a los cuales obtenemos distintas visiones sobre la implicación de un ser individual en una comunidad. La directora ha recibido, entre otros, el premio a la mejor dirección en el Festival de Venecia. El guión ha mantenido muchos detalles del original de 1957 (que también ha tenido su versión en Broadway). En esta ocasión, la historia parte de un joven checheno acusado de matar a su padre adoptivo. El racismo y los prejuicios siguen en la sociedad actual, así que Mikhalkov ha sabido llevar con acierto la historia a la Rusia capitalista. También ha trasladado la acción al gimnasio de una escuela secundaria que hace las veces de sala de jurado. Cada personaje se convierte en espectador de otras historias y protagonista de la suya.

Bella

2008-10-27T08:51:00.006Z

Dirección: Alejandro Gomez Monteverde

Intérpretes: Eduardo Verástegui, Tammy Blanchard, Manny Perez, Ali Landry, Angélica Aragón, Jaime Tirelli, Ramón Rodriguez, Tawny Cypress, Sophie Nyweide.

Guión: Patrick Million, Leo Severino, Alejandro Gomez Monteverde

Duración: 91 min.

Público apropiado: Jóvenes

José era un futbolista de élite al que un acontecimiento personal le cambió su futuro como estrella del deporte. Han pasado unos años y ahora trabaja en Nueva York, en el restaurante de su hermano Manny. Un día, una empleada del restaurante llamada Nina llega tarde, y es despedida. José se entera de que está embarazada.
Primer largometraje producido por Metanoia Films, empresa creada por el actor Eduardo Verástegui y por el director mexicano Alejandro Gomez Monteverde. Hay talento al llevar a la pantalla un guión lleno de hondura y humanidad, sin dejarse llevar por el exceso o por el sentimentalismo, aun cuando se trata explícitamente un tema tan serio como el aborto. La estructura narrativa abrupta y los momentos de contemplación están muy logrados y aportan intensidad a la historia. La película es un emotivo canto al amor y a la unidad familiar (fantástica la larga secuencia en casa del protagonista) y ofrece una optimista mirada hacia la vida, abierta a la trascendencia y al trato con Dios.

Protagonizan espléndidamente Eduardo Verástegui y Tammy Blanchard (El buen pastor). El film, filmado en Nueva York, ganó con todo merecimiento varios galardones internacionales, entre ellos el premio del público en el Festival de cine de Toronto.

Fuente: http://www.decine21.com/

Camino

2008-10-07T07:16:00.003Z

Director: Javier Fesser
Guión: Javier Fesser. Intérpretes: Nerea Camacho, Carmen Elías, Mariano Venancio. Manuela Vergés. 143 min. Adultos. (V)

Camino es una niña de 11 años guapa, alegre e imaginativa. Vive en Madrid y estudia en un colegio de monjas. Un día comienza a sufrir fuertes dolores de espalda y, poco tiempo después, le diagnostican un gravísimo tumor.
La película recorre los últimos días de vida de Camino, que se debaten entre el mundo tenebroso que representa su madre, una mujer de fe que pertenece al Opus Dei, y la esperanza que le producen tanto el cariño incondicionado de su padre como su enamoramiento por un chico al que acaba de conocer.
El problema es que el material del que parte Fesser no es un personaje de ficción sino una persona real: Alexia González-Barros, una chica madrileña que falleció a los 14 años después de una dolorosa enfermedad y que actualmente está en proceso de canonización.Desde su óptica, que él mismo define de “ateo practicante”, Fesser ha hecho una peculiar adaptación de las tres biografías que existen sobre Alexia González-Barros. De estas biografías ha recogido datos, anécdotas y hechos reales que ha troceado, censurado y deformado para construir la parodia que buscaba. Una caricatura que afecta sobre todo a la familia(una madre obsesiva, una hermana sin voluntad propia y un padre tan bondadoso como pusilánime), al Opus Dei (presentado como una institución retrógrada y machista formada por cortos mentales) y, en definitiva, a la Iglesia católica y a su doctrina. El mensaje en ese sentido es claro: Dios no existe y quienes creen en Él y valoran realidades como la oración, el sacrificio o la vida eterna son, o unos malvados, o unos ilusos.

A película vista se entiende que Fesser no haya querido en ningún momento ponerse en contacto con la familia González-Barros. Para insultar y calumniar no se suele pedir permiso. El problema es el precedente que puede sentar una película como esta, que, para criticar unas ideas y unas instituciones, irrumpe a patadas en la tragedia de una familia.

Fuente: firmante Ana Sánchez de la Nieta www.aceprensa.com